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Französische Bezeichnung übersetzen als "rohe Kunst". Begriff erfunden von dem französischen Künstler Jean Dubuffet zu beschreiben, die außerhalb der Tradition der bildenden Kunst, Kunst dominiert akademische Ausbildung, die er als "Kunst Culturel" bezeichnet – kulturelle Kunst. Art Brut enthalten, Graffiti, und die Arbeit der Geisteskranke, Gefangenen, Kinder, und naiv oder primitive Künstler. Was Dubuffet in diesem Material wichtig war roh Ausdruck einer Vision oder Emotionen, Untramelled gemäß der Konvention. Diese Qualitäten, die er in seine eigene Kunst, die zu integrieren versucht der Begriff Art Brut wird manchmal auch angewendet. Dubuffet hat eine große Sammlung von Art Brut, und im Jahre 1948 gründete der Compagnie de l ' Art Brut, die Studie zu fördern. Seine Sammlung befindet sich jetzt in einem Museum, La Collection de l ' Art Brut in der Schweizer Stadt Lausanne. Eine andere bedeutende Sammlung, Verwendung des Begriffs "Outsider Art", ist die Musgrave Kinley Außenseiter Kunstsammlung, jetzt eine Leihgabe an das Irish Museum of Modern Art, Dublin.
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Bezieht sich auf die Arbeit der Movimento d ' Arte Nucleare, des italienischen Malers Enrico Baj zusammen mit Sergio Dangelo und Gianni Bertini, in Mailand im Jahre 1951 gegründet. Gianni Dova war später Mitglied. Ihre ersten Manifest wurde im folgenden Jahr und ein weiteres 1959 veröffentlicht. Der Name kann als Kunst für des Atomzeitalters, seit die Gruppe ausdrücklich dargelegt, um Kunst in diesem Zusammenhang werden übersetzt werden. Ihre Manifeste warnte vor den Gefahren der falschen Anwendung von Nukleartechnologie. Sie erklärte Opposition gegen geometrische abstrakte Kunst und schlug stattdessen den Einsatz von automatischen Techniken. Sie waren so eng mit Art Informel ausgerichtet. Anfang der 1950er Jahre war Baj Gemälde mit Vorschlägen der Pilz Wolken und verwüsteten Landschaften machen. In seinen späteren Werken der Malerei und Collage, die er gab das Namen 'Schwerwasser' dem Emaille-Lack und destilliertes Wasser-Emulsion, die er benutzte. Diese Werke beinhalten einen sarkastischen Serie von Offizieren aus dem Feuer! Feuer! zählt. Mehrere Ausstellungen fanden statt, aber die Bewegung Sande um 1960.
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Der Begriff, den Arte Povera von der italienische Kunstkritiker und Kurator, Germano Celant, 1967 eingeführt wurde. Seine wegweisenden Texte und eine Reihe von wichtigen Ausstellungen vorgesehen eine kollektive Identität eine Reihe junger italienischer Künstler mit Sitz in Turin, Mailand, Genua und Rom. Arte Povera entsprang in einem Netzwerk von städtischen kulturellen Aktivitäten in diesen Städten als die italienischen Wirtschaftswunder der unmittelbaren Nachkriegszeit, stürzte in ein Chaos aus wirtschaftlicher und politischer Instabilität. Der Name bedeutet wörtlich "Arme Kunst", aber die Wort Armen hier bezieht sich auf die Bewegung Signatur Erforschung einer Vielzahl von Materialien über den quasi Schatz traditionellen von Ölfarbe auf Leinwand, Bronze oder Marmor geschnitzt. Arte Povera kennzeichnet daher keine verarmte Kunst, sondern eine Kunst gemacht, ohne Beschränkungen, eine Laborsituation, in denen theoretische Grundlage für eine komplette Offenheit gegenüber Werkstoffen und Verfahren abgelehnt wurde. Führende Künstler waren Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Luciano Fabro, Piero Gilardi, Jannis Kounellis, Mario Merz, Marisa Merz, Giulio Paolini, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Emilio Prini und Gilberto Zorio. Die Blütezeit der Bewegung war von 1967 bis 1972, aber seinen Einfluss auf später Kunst hat dauerhafte wurde. Kann auch als italienischer Beitrag zur konzeptuellen Kunst gesehen werden.
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A group of North American artists who used realist techniques to depict social deprivation and injustice in the American urban environment of the early twentieth century. Artists included Robert Henri, regarded as the founder of the Ashcan School, and John Sloan.
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Eine wörtliche Übersetzung des französischen Wortes 'Atelier' ist Studio oder Workshop. Atelier des einzelnen Künstlers war auch ein Ort, wo die Lehre der jungen Künstler stattgefunden, aber diese Funktion wurde durch den Aufstieg der Akademie nach und nach verdrängt. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts entwickelte einige Ateliers Orte des kommunalen Produktion, insbesondere in Deutschland, wo es den Wunsch entstand, die Kunst mit der industriellen Produktion zu vereinheitlichen. 1919 Gründete Walter Gropius das Bauhaus in einem Versuch, die Kunst mit der Technologie des mechanischen Zeitalters zu heiraten. Atelier kennzeichnet häufig eine Gruppe von Künstler, Designer oder Architekten, die gemeinsam arbeiten. Atelier 5 ist ein Schweizer Architekturbüro 1955 gegründet und inspiriert durch die Visionen von Le Corbusier. die Rotterdam-basierte Atelier Van Lieshout, gegründet von Joep van Lieshout ist eine Gruppe von Künstlern, die alternative Verkehrsträger der Lebens- und Arbeitsbedingungen zu entwickeln.
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Hat verschiedene Bedeutungen als ein Substantiv und einem Verb. In der Kunst ist ein Attribut (Substantiv), ein Objekt oder ein Tier einer bestimmten Persönlichkeit zugeordnet. Die am häufigsten verwendeten Attribute sind die alten griechischen Götter. Tauben, Vögel, die mit Liebe verbunden sind z. B. Attribute der Göttin der Liebe, Aphrodite oder Venus. Damit ein weiblicher Akt mit einer Taube oder Tauben als Venus identifiziert werden kann. Das antike Musikinstrument, bekannt als eine Lyra ist ein Attribut des Apollon, Gott der Musik und Kunst. Einen Bogen und Pfeile und/oder einen Speer, zusammen mit Hunden, sind Attribute der Göttin Diana, als eine Jägerin berühmt war. War sie auch Göttin des Mondes, hat so oft einen Halbmond im Haar. Um zu Attribut (Verb) ist ein kleines Kunstwerk darauf hin, dass es von einem bestimmten Interpreten, sein kann, gibt es zwar keine Beweise dafür. Ein Werk in der Tate-Sammlung, die veranschaulicht perfekt beide Bedeutungen ist die französische Schule Arbeit, Apollo. Dazu gehören Apollos wichtigsten Attribut eine Leier, aber auch einige Tochterunternehmen Attribute wie die Sunburst hinter seinem Kopf (er ist auch bekannt als der Gott der Sonne), der Lorbeerkranz, die er trägt, und die Objekte in der linken Ecke, die die Künste darstellen — darunter Skulptur. Dieses Gemälde ist zu verschiedenen Zeiten an die Maler Antonio Verrio, Louis Chéron und Nicholas de Largillière zugeschrieben worden.
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Begriff des Künstlers Gustav Metzger in den frühen 1960er Jahren erfunden und Put in Umlauf von seinem Artikel 'Maschine, Auto-kreativ und selbstzerstörerische Art' in der 1962-Sommerausgabe der Zeitschrift Arche. 1959 Machte er Arbeiten durch Aufsprühen von Säure auf Blatt Nylon als Protest gegen Atomwaffen. Das Verfahren hergestellt sich rasch wandelnden Formen, bevor die Nylon alle verbraucht wurde, so war die Arbeit gleichzeitig Auto-kreative und selbstzerstörerische. 1966 Organisierte Metzger und andere Destruction in Art Symposium in London. Ein weiteres in New York im Jahr 1968 folgte. Das Symposium wurde von öffentlichen Demonstration der selbstzerstörerische Kunst, einschließlich das Brennen von Skoob Towers von John Latham begleitet. Diese Türme Bücher (Skoob ist Bücher in umgekehrter Richtung) und Lathams Absicht war zu zeigen, direkt seiner Ansicht, dass die westliche Kultur ausgebrannt war. Im Jahr 1960 machte der Schweizer Künstler Jean Tinguely seine erste von seiner selbstzerstörerischen Maschinenskulpturen, Hommage À New York, die sich in Stücke im Skulpturengarten des Museums of Modern Art in New York zu zerschlagen.
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Einer ausstellenden Gesellschaft in London im Jahre 1933 gegründete und bis 1971 tätig. Es war hauptsächlich eine Links des Zentrums politische Organisation und es angenommen hat, alle Stile der Kunst sowohl traditionelle als auch moderne. Sein Ziel war die "Einheit der Künstler für Frieden, Demokratie und kulturelle Entwicklung". Er führte eine Reihe von großen Gruppenausstellungen zu politischen und sozialen Themen, die ab 1935 mit der Ausstellung Künstler gegen Faschismus und Krieg. Die AIA unterstützt die linke republikanische Seite im spanischen Bürgerkrieg (1936-9) durch Ausstellungen und andere Fundraising-Aktivitäten. Es versucht, breiteren Zugang zur Kunst durch Reisen, Ausstellungen und öffentliche Wandmalereien zu fördern. 1940 Veröffentlichte sie eine Reihe von Kunst-Lithographien unter dem Titel Everyman Drucke in große und daher billig-Editionen.
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Der Begriff von Walter Benjamin in seinem einflussreichen 1936 Essay "das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit", wo wird es als integraler Bestandteil eines Kunstwerkes Qualität identifiziert, die durch mechanische Reproduktion, wie z. B. Fotografie kommuniziert werden kann nicht.
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Künstler Bristol in frühen 1800er Jahren, inspiriert von der lokalen Landschaft besonders Fluss Avon und Avon Gorge zugeordnet. Wichtigste Zahlen waren Francis Danby, während der etwa zehn Jahre verbrachte er dort vor ihrem Umzug nach London 1824 und JB Pyne. Beide hatten Schüler und Anhänger vor allem Samuel Colman, sehr persönlichen Beitrag zum Genre der biblischen und Landschaft Fantasie Danby später, wurde bekannt für (in Rivalität mit John Martin) und die produktivsten Landschafts-WJ-Müller, bekannt für seine Orientalist Szenen sowie Avon-Studien.
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